MAC | Museo Arte Contemporáneo de Puerto Rico

Lexus con las Artes
Becados Lexus
14 de septiembre al 11 de noviembre de 2007
Sala Lexus

Se presentan los trabajos de los artistas Karlo Ibarra, Gadiel Rivera y Mimi Vélez, ganadores del certamen Becas Lexus para Artistas 2006-2007 y la Fundación Comunitaria de Puerto Rico. El programa Becas Lexus para Artistas comenzó hace 3 años, inspirado por uno de nuestros maestros del arte puertorriqueño, Rafael Tufiño

Parto es una exhibición multimedia sobre las sensaciones físicas y emocionales relacionadas al alumbramiento. Estas experiencias se exploran a través de un complejo vocabulario donde la artista, quien es "Doula" certificada (personas entrenadas para asistir y ofrecer apoyo físico y emocional durante y después del alumbramiento) logra transformar, y por ende, reinterpretar esta práctica introspectivamente. Barens Vera consigue trascender la simple visceralidad del parto y lo transmite mediante un acercamiento al cuerpo, mediado por un cúmulo de intervenciones sensoriales que incluyen el vídeo, la fotografía, el sonido y una serie de acciones performativas que complementan todo el contenido de la pieza. La artista, a su vez, insiste en la reinmersión del espectador en un espacio interactivo como una metáfora visual del proceso del alumbramiento

La obra de Barens Vera incorpora elementos de gran contenido gráfico y expresivo como lo es el cuerpo femenino, donde logra reestablecer
ideas como la multiplicidad, la falta de origen y la fragmentación individual y colectiva. La artista se ha caracterizado por la gran cantidad de elementos narrativos y de factura, empleados en cada una de sus obras a través de los medios del performance, la instalación, la escultura, la fotografía y el video. Sus obras recientes, en especial sus instalaciones, coinciden con múltiples niveles de interpretación, donde acuña a través de experiencias intrínsecamente personales: la mujer en la sociedad contemporánea, los síntomas del desplazamiento, la fragmentación identidaria, la migración, los sentidos primarios y el consumismo.

Noemí Ruíz y su espacio en el tiempo

Esta muestra de carácter retrospectivo recoge cincuenta años de producción de la artista puertorriqueña, nacida en Mayagüez, Noemí Ruiz. Durante su trayectoria, Ruiz ha realizado alrededor de ochocientas obras de arte en los medios de pintura y de las artes gráficas, de las cuales, cien piezas han sido seleccionadas para formar parte de esta espectacular muestra que abarcará todas las salas del MAC. Su trabajo plástico, según afirma el curador y crítico de arte Fernando Cros, ha sido el resultado de una autentica vocación y de un esfuerzo que ha ido materializándose en obras de una creciente complejidad formal y de una sostenida calidad de factura hasta llegar a un nivel de gran madurez expresiva. Noemí Ruiz se ha figurado entre los principales y más destacados artistas del lenguaje de la abstracción en Puerto Rico y Latino América. Ha complementado su vocación como profesora universitaria del Recinto de San Germán de la Universidad Interamericana y también como miembro de la Asociación de Mujeres Artistas de Puerto Rico. En su pintura, Noemí Ruiz integra una búsqueda por el balance y el equilibrio de formas orgánicas abstractas. Desde los años sesenta su obra ha experimentado una evolución consistente que va desde un plano geométrico un poco más tajante y constante hacia un vocabulario orgánico más sutil y evocativo del paisaje y de figuras humanas. Ruiz ha ideado su propia técnica de aplicar la pintura a la lona por medio de un rodillo de espuma pequeño. Este método permite que ella elabore las áreas completamente uniformes del color complementadas por los movimientos circulares geométricos que dan lugar a composiciones de una gran atmósfera y profundidad. Hasta hace poco tiempo la artista evito la utilización de texturas en sus pinturas. Pero en sus últimos años vemos una evolución hacia la incorporación de técnicas del collage para lograr texturas que se escenifican como nuevos espacios de movimiento en sus obras. Contrario a una retrospectiva cronológica, esta muestra tiene como objetivo examinar los temas que han sido recurrentes en la obra de Ruiz desde la década de los cincuenta, donde se podrá contemplar un complejo vocabulario estilístico capturado en formas esenciales como el ritmo, el espacio y el tiempo, la complejidad de la figura, de la naturaleza y de los elementos que enfrascan lo cotidiano. Sus composiciones reciprocan -- según la artista-- su capacidad de percibir su entorno caribeño, el movimiento de las formas que lo contienen, la profundidad del paisaje dotado a través de la transformación de la luz, de la naturaleza del paisaje y del ser como conceptos que rigen el universo.

Homenaje al Cosmos de Heriberto González Sánchez

Desde 1986 Heriberto González surge como pionero de la pintura computarizada en Puerto Rico. Las innovaciones en el campo de la tecnología moderna despuntaban en la década del ’80 y González supo adelantarse a su tiempo. Para aquel entonces la computadora era considerada un “nuevo medio” que ningún artista puertorriqueño de la plástica había explorado aún. Durante ese tiempo Heriberto González descubre las posibilidades infinitas que ofrece el uso de la computadora aplicada a las artes, sobrepasando las fronteras tradicionales de la expresión creativa del ser humano. De esta forma el artista se da a la tarea de crear 18 obras digitales, que fueron exhibidas en 1989 en el Museo de Arte de Ponce. Con la exhibición El arte en computadora González se convirtió en el primer artista puertorriqueño invitado a exhibir su obra solo en la mencionada institución.

El mural Homenaje al Cosmos, una de las piezas más importantes de su creación, fue generada en una computadora Comodore Amiga 1000 de 512k. La información se guardaba en tres diskettes de 752k. El artista creó una imagen continua compuesta de unos 60 pliegos en papel 8” x 48”’, tamaño disponible en aquella época para la impresora Xerox 4020 de tinta de chorro (ink jet). La impresora generaba solamente 256 colores, pero el artista le cambió la formulación matemática a través de la computadora y pudo conseguir 4,096 colores. Utilizando otro programa Heriberto González segmentó la imagen de la pantalla en 60 porciones. Posteriormente imprimió cada uno de los segmentos por separado, que luego ensambló para crear el mural digital cuyo tamaño original era de 7’ x 20’.

La reproducción de Homenaje al cosmos, que se exhibirá en el Patio Interior del MAC, tendrá un tamaño de 5’ X 30’ y será impresa por la compañía Digital Ideas. La obra estará en exhibición hasta el domingo 22 de abril de 2007

Reflexión cromática para una obsesión

18 de enero al 24 de febrerodel 2007

En su propuesta Javier David Ramos explora la abstracción desde una dinámica configuración del color donde expresa su interés por el movimiento, lo temporal y la supremacía del color. En la presente muestra el artista construye imágenes tomadas de la vida cotidiana, rompe con formalismos estéticos e insiste en la percepción e interpretación del color. Su paleta se destaca por la utilización de un juego de colores muy parecidos al proceso cromático de la cuatricromía (CMYK). Este proceso de impresión se define como un juego de mezclar ciertos colores que permite representarlos de forma que el ojo humano perciba estos tonos hasta el límite de su capacidad. Ambos procesos, el configurado por el artista y el tecnológico se basan en la teoría del color. Sus obras recientes son composiciones donde se observan aguadas transparentes de tonos luminosos, recuadros geométricos estructurados e impregnados de color que sustituyen impastos o gruesas acumulaciones de pigmento presentes en su obra de años anteriores. El artista incorpora, el recuadro geométrico y chorreado controlado de color, sin sacrificar la espontaneidad del gesto plástico. El crítico de arte Enrique García Gutiérrez comenta sobre la obra de Ramos " las variaciones cromáticas de luz y los perfiles entrecortados de manchas en distintas capas de pigmento, proyectan un extraordinario diálogo pictórico que se debate entre el caos y el orden."
Reflexión cromática para una obsesión es la primera de tres propuestas de exhibición programadas en el MAC para la primera mitad del 2007, que se desarrollan a través del discurso de la abstracción y sus ramificaciones en el lenguaje contemporáneo puertorriqueño. La misma precede a dos retrospectivas de dos grandes maestros de la abstracción en Puerto Rico, Noemí Ruiz y Oscar Mestey Villamil.

Vírgenes de Eduardo Ferraioli

14 de diciembre 2006 al 25 de febrero de 2007

Ferraioli recuerda las palabras que su madre le expresó a los cuatro años. “Entra y haz lo que tu corazón te dicte”. Esta afirmación le ha servido de guía a Eduardo Ferraioli, tanto en el arte como en la vida. Sin Corazón no hay pasión y de eso se trata la exposición Vírgenes, como detalla Teresa Tió en el ensayo de la muestra. Las veinte imágenes se conciben como reflejo de la flora y es desde esa referencia que asumen su identidad y su personalidad.
Indudablemente esta fascinante propuesta de Ferraioli enriquece el discurso cultural de nuestra época, donde a través de la elaboración de patrones y formas el artista monumentaliza los delicados fragmentos que componen nuestra naturaleza, nuestro entorno y nuestra identidad colectiva. Esta muestra reúne 20 piezas en torno al tema de la mujer que encarnan Vírgenes y Ninfa. Cada imagen se presenta como una alegoría de la flora: La Virgen del Café, de la Amapola, el Loto, el Mangle, la Rosa, el Ave de Paraíso, el Flamboyán, el Yagrumo, la Orquídea, la Trinitaria, el Anturio, el Majó, la Canaria, la Uva Playera, el Guayacán, el Tulipán Africano, la Magnolia, el lirio Cala y la Maga. El dominio de la técnica, el conocimiento de los materiales unidos a su vigorosa sensibilidad lo sitúan como uno de los mayores exponentes de las técnicas del vitral en la actualidad.

Objetos de Gravamen y Causa: Interpretaciones Contemporáneas sobre el tema del consumo

La muestra temática Objetos de gravamen y causa: Interpretaciones contemporáneas sobre el tema del consumo recoge varios acercamientos e interpretaciones que hacen los artistas de nuestra época sobre los objetos de consumo que proliferan en su entorno. El artista consciente de la cargada simbología del mercado, explora a través de su obra y mediante el uso de un lenguaje visual complejo; los símbolos, los iconos, los temas, los valores y hasta la globalización del consumo.
La muestra integra obras de artistas de la colección permanente del Museo de Arte Contemporáneo de Puerto Rico y nuevas propuestas visuales de artistas invitados que complementan el tema.
Objetos de gravamen y causa: Interpretaciones contemporáneas sobre el tema del consumo nos lleva a observar detenidamente la forma en que las ideas sobre el consumo, el cuerpo, las clases sociales y la identidad cultural se relacionan en un proceso creativo que induce la participación del espectador en un dialogo abierto desde múltiples perspectivas.

Reunión de Ecos Medios Mixtos de Néstor Millán Álvarez

10 de noviembre del 2006 al 14 de enero del 2007

Néstor Millán Álvarez procede como un pintor moderno al contravenir las reglas de la pintura tradicional empleando ready-mades pero subvierte ese proceder pintando figuras y objetos realistas como lo hace el artista posmoderno. Los dos modos de representar que exhiben estas obras, y que en ocasiones parecen destruir y opacar el efecto del otro, exigen a su vez, una mirada nueva con la cual apreciar las posibilidades inherentes al método del artista. Carl Eistein apuntó en una ocasión: “I only believe in those people who begin by destroying the means of their own virtuosity”. Néstor Millán, destruyendo y creando, asume la reflexión sobre el acto de pintar.

Ingrid M. Jiménez Ph D

Elías Adasme nació en Chile en el 1955, reside y trabaja en Puerto Rico desde hacen 23 años. Estudioso de los símbolos culturales, el artista integra en su obra elementos formales del diseño gráfico, el arte en proceso y la instalación. Adasme a través de la utilización de referentes socioculturales realiza una intensa crítica de los sistemas occidentales; donde ha logrado intercalar nuevas realidades sobre la cultura, las relaciones de poder, el consumo, la miseria y la religión.
Casi un año después de los ataques fatídicos del 11 de septiembre del 2001, el fenecido Juan Pablo II ofrecía su encíclica papal “Urbi et Orbi” (De la Ciudad al Mundo) transportando a miles de cientos de seguidores en un solemne “Pax Vobis”, (La paz con nosotros). Con este mensaje en mente, el artista interioriza que gran parte del mundo occidental cristiano revive su fe a través de la intolerancia, la guerra, la muerte y la xenofobia; proclamando a su vez el derecho a la seguridad, la vida y la paz. El edicto In God We Trust (En Dios nosotros creemos) inscrito en el dólar ha sido fundamental para el desarrollo de la obra Elías Adasme en los últimos quince años. El artista, consciente de la carga simbólica, cultural y religiosa occidental, denuncia como estos signos implícitos en la adoración al capitalismo, ha consagrado “un nuevo cristianismo”.
Elías Adasme presenta la fragmentación del altar como espacio físico de adoración, donde ha elaborado una compleja crítica de los símbolos de consumo diario que incluyen el pan y la tierra como metáfora de la cultura humana. A través de la mirada de un centenar de ojos presenta al espectador anónimo frente a un montículo de tierra de donde germina un televisor. En la pantalla se opera un corazón abierto rodeado por círculos de panes que leen: filosofía, religión, amor, odio, paz, guerra, sexo, etc. Sobre el corazón abierto se reconoce la figura del Cristo crucificado cubierto en dólares sobre una cruz roja, que hace referencia al vocablo cotidiano - esta forra'o de chavos - en relación a una persona de mucho dinero. Sin duda alguna, esta desafiante propuesta es una aguda crítica a la glorificación del consumismo versus las aspiraciones altruistas de todo ser humano por el derecho a la vida, la paz y el bienestar común.

En 1945, el árbol Kaki fue encontrado con vida a pesar de la destrucción masiva provocada por el bombardeo atómico a las islas japonesas de Nagasaki e Hiroshima. El botánico japonés Masayuki Ebinuma se dio a la tarea de desarrollar retoños del árbol de Kaki sobreviviente, originario de Japón, logrando con éxito su cultivo. Al esfuerzo se unió el artista japonés Tatsuo Miyajima, quien ayuda al Dr. Ebinuma a distribuir el árbol en distintas partes del mundo como símbolo de paz y vida, con el propósito de que los niños fueran los protagonistas del proyecto Revive time: Kaki Tree Proyect y comunicadores de este mensaje. Este árbol hoy día se le conoce como el Árbol de la Paz.
Revive time: Kaki Tree Proyect es un proyecto que le ha dado la vuelta a 128 países del mundo. A principios del 2006, el artista chileno y residente en Puerto Rico, Elías Adasme consciente de la importancia y simbolismo, se involucra en el mismo y trae al Museo de Arte Contemporáneo de Puerto Rico el primer árbol de Kaki.
El día 11 de septiembre del 2006, donde también se conmemoró el quinto aniversario del fatídico atentado a las Torres Gemelas, se planto mediante una memorable ceremonia, el árbol de kaki en el jardín del MAC, junto a una capsula del tiempo que contiene la grabación de esa ceremonia y dibujos de los estudiantes de las escuelas participantes de este evento.
La actividad fue acompañada por los estudiantes de las escuelas Juan Ponce de León, Luis Muños Rivera, Balwin School y Josefita Monserrate de Selles. También contó con la participación de estudiantes del Método Suzuki del Conservatorio de Música y de la compañía de baile Andanza. Los participantes del proyecto conmemoraron en un gesto de gran simbolismo y esperanza; la vida, la unión, el fin de la guerra y la paz.
Estos niños también participaron de unos talleres de arte ofrecido en sus escuelas donde elaboraron una serie de obras y ensayos que rescatan el tema de la paz. Las obras de los niños y estarán en exhibición en el Primer Piso del MAC hasta el 22 de octubre del 2006.

Fondo de Becas Lexus para Artistas Becarios 2004-2005

En esta exhibición se pueden apreciar los trabajos de los artistas Quintín Rivera Toro, Héctor Madera González y Carlos Ruíz Valarino, escogidos el año pasado en la segunda edición de las Becas Lexus para Artistas.

“Optical Borderline: Housing Development Project”: Héctor Madera González

Rafael Villamil es uno de los más grandes maestros del arte puertorriqueño. Hoy es un perfecto desconocido. El inmenso silencio en torno a su obra es sólo comparable a la cautelosa trayectoria de un artista de vanguardia que no le han importado los accidentes creados por el mercado, sino la esencia estética en todo su fuero formal y filosófico. Estamos frente a un artista con cincuenta años de historia y que sigue laborando incansablemente, produciendo un arte profundo en todas sus aristas. Cabe preguntarnos, ¿cómo puede ser que haya pasado desapercibido durante tanto tiempo incluso para las personas que siguen el arte más de cerca? Una cadena de censuras detonó primero el exilio, luego, la reclusión ascética de Villamil y el consecuente desconocimiento que tenemos de su vitalísimo cuerpo plástico.
Rafael Villamil alude no sólo a grandes libros de la literatura, directa o indirectamente, sino que entronca con la tradición surrealista de la que se nutrió desde joven. Por ambas vertientes, podemos tener como ejes centrales de una épica plástica al poeta y su amada. En la fantasía del artista se recontextualizan La Divina Comedia de Dante, Fausto de Goethe, poemas de Vallejo y Borges, pero más que nada, se imagina su quehacer de poeta, se tematiza la figura del creador y las dificultades que pueda tener para calar en el alma del colectivo social a que pertenece. Al tomar figuras consagradas, le brinda un carácter de ejemplaridad, pero convulsionando los elementos para ejercer nuevos planteamientos críticos, no sólo para reverenciar lo ya venerado.

La presente edición se dedica al medio fotográfico, y la selección de los trabajos que integran la muestra fue comisionada por el MAC al curador Nelson Rivera Rosario. Según explica éste último, la exhibición “intenta dar cuenta de la variedad de acercamientos al arte fotográfico, en un momento en que se presume que no hay interés por este arte y mucho se escribe en torno a la muerte de la fotografía como medio artístico.
Desde imágenes de corte documental hasta abstracciones, en estas obras los juegos formales son el punto de apoyo para los desafíos políticos, sociales y culturales que lanzan los artistas, con asuntos de raza, género, clase y cultura que se debaten en estas imágenes encontradas, escogidas, fabricadas.” La muestra está compuesta por los artistas Alia Farid Abdal, Yianitza Febles, Víctor Rafael González, Pablo Guardiola, Hatuey Ramos Fermín, Lara Reyes Cruz, y Gerard Silva.

Muestra curada por Marianne Ramírez Aponte en la que se presenta una selección de trabajos de la Colección Permanente del MAC en los que la figura humana es el resorte utilizado por los artistas para expresar sus inquietudes sobre la condición humana. La figura como vehículo para la exploración de la historia cultural y de la identidad, el anhelo espiritual, así como las implicaciones que tiene la tecnología y la profusión de imágenes en los medios de comunicación masivos, son algunos de los temas abordados por los artistas en esta exhibición. La Colección Permanente del Museo, cónsona a nuestros propósitos constitutivos, reúne piezas producidas a partir de la segunda mitad del siglo XX por artistas de América Latina, el Caribe y Puerto Rico, visión de conjunto que permite apreciar las obras en su contexto geopolítico y advertir posibles correspondencias estilísticas en la región. La primera parte de la exhibición ya ha sido abierta al público e incluye obras de los artistas puertorriqueños Carlos Collazo, Ricardo Hernández, Marnie Pérez Moliere, Aixa Requena, Marta Mabel Pérez, Eric Tabales, Susana Herrero, Elizam Escobar, John Betancourt, Nathan Budoff, Edra Soto, Rafael Trelles, Analida Burgos, Haydée Landing, Daniel Lind, Félix Bonilla Norat, Jaime Romano, José Rosa, Víctor Vázquez, Doris Ríos, Tania Frontera, Cecilio Colón, Carlos Rivera Villafañe, Néstor Millán, Edgard Rodríguez Luiggi, Aarón Salabarrías, Lilliana Rivera, Karla Cott, Carmelo Sobrino, Nick Quijano, Clarissa Biaggi, María de Mater O'Neill, Rosa Irigoyen, Nelson Sambolín, Ada Rosa Rivera, Marta Pérez García, José Morales, Domingo Izquierdo, Felipe Cuchí y José Luis Vargas. Los artistas latinoamericanos que también integran la muestra incluyen a Tatiana Parcero (México), Lucía Maya (México), Silvia Brewda (Argentina), Manuel Mendive (Cuba), Elías Adasme (Chile), Mariana Yampolsky (México), Ismael Frigerio (Chile), Ramiro Pazmiño (Ecuador) y a Rigoberto Quintana (Cuba).

Muestra de los artistas Miguel Hernández, Fabio Herrera, Roberto Lizano, Mario Maffioli, Ana Martén, Rafael Ottón Solís y Florencia Urbina, integrantes del Grupo Bocaracá creado en Costa Rica en el 1988. Los miembros del grupo son en su mayoría egresados de Bellas Artes de la Universidad de Costa Rica y se destacan por su obra que, aunque diferente entre ellos, es novedosa en el panorama local por su actitud desenfadada, el uso de los materiales, el gusto por los formatos grandes y la utilización audaz del color. Merecedores de importantes distinciones que incluyen: Premio Nacional Aquiles J. Echevarría en Pintura, otorgado por el Ministerio de Cultura, Juventud y Deportes de Costa Rica y el Premio Ancora de la Cultura otorgado por el Periódico La Nación de ese país; el Grupo Bocaracá presenta en el MAC una muestra de su producción reciente en los medios de pintura, instalación y construcción.

Richard Pagán fue un pintor puertorriqueño de gran talento que murió en Italia en el 1989, a los 35 años de edad. Comenzó estudios en biología marina en el Recinto Universitario de Mayagüez, pero pronto dejó la ciencia por su vocación artistíca. Su amor por la naturaleza y su nobleza de espíritu se manifestaron siempre en su práctica artística y vital. Richard vivió algunos años en Southamptom, Nueva York. Allí expuso varias veces y fue reconocido por su obra, siendo uno de los siete premiados en el certámen de pintura del Parrish Museum de NY, institución que organizó una exposición de sus pinturas junto a los otros siete artistas. En el año 1987 fue el primer puertorriqueño en recibir el premio Jackson Pollock de la fundación Pollock-Krasner. Fue íntimo amigo del destacado artista estadounidense John MacWhinnie con quién compartió trabajo e influencias artísticas y llegó a conocer a Willem DeKooning. Richard Pagán López, a quién conocíamos por Ricky era un gran admirador de Giotto, Monet, Matisse y de los miembros de la Escuela de Nueva York, influencias que logró sintetizar con gran éxito en su pintura.
El Museo de Arte Contemporáneo de Puerto Rico desea rescatar del olvido a este creador puertorriqueño que, a tan corta edad, logró sintetizar influencias tan diversas con un lenguaje pictórico de gran fuerza y originalidad. Hoy, la familia de Ricky y un nutrido grupo de amigos en Puerto Rico, Nueva York e Italia, se disponen a organizar una exposición retrospectiva o antológica de su obra. Para ello cuentan con las salas del Museo de Arte Contemporáneo de PR para principios del año 2010.
Exhortamos a todo aquél que posea en su colección alguna obra de Richard Pagán que se comunique con el MAC al 787-977-4030 o al Comité Amigos de Richard Pagán al 787-765-0617